I love you Anyway

Sneak Preview: Paul Smith Boutique, Potsdamerstr. 78, 19. Dezember 2019

Tiergartenufer100x140cm, Ingrid McMillan
Tiergartentenufer von Ingrid Mc Millan, 2019

Ingrid Mc Millan (Winnipeg, Kanada) und Alexandre Schuck (Frankreich/Berlin)

Die Arbeiten von Ingrid Mc Millan entstanden während ihrer Zeit in den Atelierräumen der Galerie von Oktober 2019 bis Mitte Januar 2020.

Eröffnung: //GALERIE 102 Berlin, Dienstag, 7. Januar von 17-21 Uhr
Öffnungszeiten: 8.-10. Januar von 11 bis 21 Uhr,
Samstag, 11. Januar von 11-15 Uhr.

Es ist die letzte Ausstellung im Rahmen des Artist in Residence Projektes von 2016 bis 2019.

Sorti des ténèbres_Alex Schuck
Sorti des ténèbres von Alexandre Schuck

 

Niamh Seana Meehan

Niahmh Seana Meehan by Jordan Hutchings
Neamh Seana Meehan by Jordan Hutchings

*Ask inside for Details, 20 September 2019, 18-21 Uhr

Niamh Seana Meehan (b.1993) is a visual artist from Northern Ireland where she currently lives and works. She graduated with distinction Master of Fine Art in 2018 from De Montfort University. An interdisciplinary artist who works with sculpture, sound, spoken word, performance, text and drawing.

Artist Statement

I don’t want to know what you know I want to know what you don’t know.

I use my practice as a critical lens to examine contemporary storytelling, the work makes the verbal and vocal visual. My writing practice presents a type of case study for my everyday encountering, the meta-narrative investigates the in-betweenness of objective and imagined realities. The documentation of my practice is series of images. The images are not performances or installations but attempts to visually articulate an archive of activities. Sometimes presented as art or at times serving as a function. The central theme within my practice is liveness. The spectator is confronted by moments of exchange, unexpected dialogues and contingent choices. The spectator will experience themes of uncertainty, failure, non-meaning, ambiguity and the position of doubt. I invite the spectator into a visual space where they become part of the meaning verses the non-meaning.

in a Haze – Jennifer Lai

in a haze, Copyright Jennifer Lai

In a Haze

29 – 31 August 2019, Opening: Thursday 29 Aug 2019, 6-9 pm, 30 – 31, 2-8 pm,
Eröffnung: Donnerstag, 29. August 2019 18-21 Uhr, 30. /31. August 14 -20 Uhr

Series of photographic work & audio

In a Haze is an art project provoked by artist’s personal experience at the clash on 12 June 2019 that resulted from a peaceful protest between unarmed civilians and full geared police when excessive violence by the Hong Kong Police Force (HKPF) was used. A series of photographic work depicting the smoke emitted from the tear gas based on the Realism art approach.  The brutality of reality was represented in a meticulous way to reveal the absurdity in recent social and political situation in Hong Kong.  In contrast to the delicate photographs, an audio recorded from the protests were also played in the gallery to create a discomforting atmosphere to represent the unnecessary threaten employed by the HKPF.

In a haze is a term describing an uncertain circumstance, which most Hong Kong people are now facing the shifting of social & political situation. The opposition and abuse of authority by the HKPF had overthrown citizens’ ideology on the governance orientation by the HK government.

The artist aims to establish a share experience with the audience in order to arouse their awareness of the current situation in Hong Kong and the importance of conscience when disciplined services exercising their power.

Jennifer Lai *1978 in Hong Kong, is a Hong Kong based artist, graduated from Bachelor of Art (Fine Arts) program at RMIT & Hong Kong Art School in 2019 with major in Photography.  “Art for Society’s Sake” is the core value in her art practices. Her creative concept is based on the local social and living issues. Her work aims to arouse public’s awareness by prompting the corresponding questions instead of deliberating a definite answer, thus audiences can reflect on themselves and widen their perspectives.

In a Haze ist ein Kunstprojekt, das durch die persönliche Erfahrung der Künstlerin durch den Zusammenstoß vom 12. Juni 2019 provoziert wurde, welcher aus einem friedlichen Protest zwischen unbewaffneten Zivilisten und der Polizei resultierte, bei dem übermäßige Gewalt durch die Hong Kong Police Force (HKPF) angewendet wurde.

Entstanden sind eine Reihe fotografischer Arbeiten, die den Rauch des Tränengases auf der Grundlage eines realistischen Kunstansatzes darstellen. Die Brutalität der Realität wurde akribisch dargestellt; um die Absurdität der jüngsten sozialen und politischen Situation in Hongkong abzubilden. Im Gegensatz zu den filigranen Fotografien wird ein von einem Demonstranten aufgenommenes Audio abgespielt, um eine unangenehme Atmosphäre zu schaffen und die unnötige Bedrohung durch die HKPF darzustellen.

In a Haze ist ein Begriff, der einen unsicheren Umstand beschreibt, mit dem die meisten Menschen in Hongkong mit der augenblicklichen Verschiebung der sozialen und politischen Situation konfrontiert sind. Die Opposition und der Amtsmissbrauch durch die HKPF hatten die Ideologie der Bürger über die Governance-Orientierung der HK-Regierung gestürzt.

Die Künstlerin möchte einen Erfahrungsaustausch mit dem Publikum, um ihr Bewusstsein für die aktuelle Situation in Hongkong und die Bedeutung des Gewissens disziplinierter Dienste, die ihre Macht ausüben, wecken.

Jennifer Lai *1978 in Hong Kong, ist eine in Hongkong lebende Künstlerin. Sie schloss 2019 ihr Bachelor of Art (Fine Arts) an der RMIT & Hong Kong Art School mit dem Schwerpunkt Fotografie ab. Ihr kreatives Konzept Art for Society es Sake basiert auf lokalen, sozialen und lebendigen Fragen. Ihre Arbeit zielt darauf ab, das Bewusstsein der Öffentlichkeit zu wecken, indem sie die entsprechenden Fragen aufwirft, anstatt eine definitive Antwort zu geben, so dass der Betrachter über sich selbst nachdenken und seine Perspektive erweitern kann. Jennifer Lai war Artist in Residence der Galerie im Monat August.

 

Group Exhibition during Gallery Weekend 2019

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Maria Flawia Litwin

AXEL BÜWENDT
ANN LABER
MARIA FLAWIA LITWIN
ULF DIETER

OPENING: Friday April 26, 7-10 pm

EXHIBITION: Saturday Apr. 27 and Sunday Apr. 28, 11am-7pm

Axel Büwendt – Fotografie, Zeichnung, Collage

Fotografien, Zeichnungen werden mit Objekten kombiniert. Beiläufiges, scheinbar banales, zufällig gefundenes – Formen, Strukturen, Abstraktes mit Gegenständlichem zusammengeführt. Was ist wirklich, was ist wahr, was ist Vorstellung, was ist Inszenierung? Woher entstammt es, erfüllte es eine Funktion, welchem Zweck diente es, welche Geschichte steht dahinter? Die Zusammenstellung irritiert, evoziert Gedankenspiele. Und die ironische Attitude dabei: im leisen, kaum beachteten, erfüllt sich oft das große Ganze – ob als Drama oder Komödie.

Axel Büwendt studierte zunächst Kunstgeschichte, Sprachwissenschaft und Romanistik und wechselte später in den Studiengang Kommunikationsdesign an der FH Würzburg. Nach langjähriger Arbeit in der Agentur Sedley-Place-Design (Berlin/London) machte er sich mit der Agentur Bender + Büwendt selbstständig und arbeitet projektverantwortlich für Kunden aus unterschiedlichen Branchen mit den Schwerpunkten Beratung, Konzeption und Gestaltung. Parallel zu dieser Tätigkeit setzt er sich künstlerisch mit Fotografie und Zeichnung auseinander.

Photographs, drawings are combined with objects. Casual, seemingly trivial, accidentally found – forms, structures, abstracts combined with objects. What is real, what is true, what is imagination, what is staging? Where does it come from, does it fulfill a function, what purpose did it serve, what history is behind it? The compilation irritates, evokes thought games. And the ironic attitude here: in the quiet, barely noticed, the big picture is often fulfilled – whether as a drama or a comedy.

Axel Büwendt first studied art history, linguistics and Romance studies and later moved to the communication design degree program at the University of Applied Sciences Würzburg. After many years working in the Sedley-Place-Design agency (Berlin / London), he set up his own business with the agency Bender + Büwendt and works project-responsibly for clients from different industries with a focus on consulting, conception and design. Parallel to this activity, he deals artistically with photography and drawing.

Axel Büwendt, Büsingstraße 19 / Portal I, D – 12161 Berlin, 015731701181
Maria Flawia Litwin interessiert sich für die Bildfindung Antworten auf die Welt um sie herum. Sie betrachtet das Kunstmachen als eine Reise der freiwilligen Vertreibung und die Künstlerin als willigen Ausländer. Die Kunst bietet einen Anknüpfungspunkt, um Fragen über die vorbeiziehende ideologische Landschaft und die existentiellen Bedenken der Erkundung zu stellen.
Litwin hat ein BFA des Ontario College of Art & Design und einen Master-Abschluss der York University in Toronto. Sie war in den Zeitschriften Globe & Mail, Kapsula und Poor but Sexy zu sehen. Zuletzt gewann Litwins Fotografie den dritten Platz im Optic-Nerv-Wettbewerb für das Blackflash Magazine. In Kanada stellte Litwin an der York University, der UQAM, dem Glendon College, den Katherine Mulherin Contemporary Art Projekten, der Gallery 1313, der Loop Gallery, dem Orillia Museum für Kunst und Geschichte, Modern Fuel in Kingston, dem Hub 14 und den New Contemporary und Back Gallery Projekten in Vancouver aus. Zu ihren internationalen Ausstellungen und Präsentationen zählen Espacio Reflex in San Sebastian (Spanien), Artium in Vittoria (Spanien), Shiro-Oni in Onishi (Japan) und Textilsetur (Island).

Maria Flawia Litwins neue Arbeiten für // GALERIE 102 erforschen den Mikrokosmos der Gemeinschaft, die kleinste Einheit von zwei. The Power of Two betrachtet die Bedeutung des Gleitens im Tandem; seine Kraft und Kreativität; Einheit und Zusammengehörigkeit; die schöpferischen Implikationen und die möglichen Stürze der Verwischung des Selbst und des Anderen. Das Thema wird durch Papierschnitte untersucht, eine traditionell folkloristische Technik, die durch die Begegnung der Künstlerin mit den Berliner Gärten und der Architektur verändert wird. Insbesondere betrachtet Litwin die Bauhaus-Architektur, den deutschen Expressionismus im Holzdruck und die Art Deco-Skulptur.https://cargocollective.com/mariaflawialitwin

Ann Laber studierte mehrere Semester Kunstgeschichte und Kunsterziehung in München, sowie bildende Kunst an der Wiesbadener freien Kunstschule wfk. Ihre Arbeiten zeichnen sich dadurch aus, dass die Farbe mit meist großzügigen Pinselstrichen aufgetragen, im abstrakten Gesamtbild einen entscheidenden Stellenwert einnimmt.
Die intensive Empfindung von inneren Dialogen während des Malens ist ein Prozess, der sich auf den Betrachter übertragen kann. Ab 2001 folgten zahlreiche Einzel – und Gruppenausstellungen. Bekannt wurde sie mit ihrem Zyklus „Von orange zu blau“.
Ihr Repertoire umfasst meist großformatige Bilder auf Leinwand gemalt, sowie Texte und 2018 zum ersten mal eine Instalation “wounded” welche zum Gallery Weekend 2018 ausgestellt wurde.

Die hier gezeigten Arbeiten verbinden den Anfang mit dem Ende: “Der Kuss” und “Treffen am Wasser” sind 2001, hingegen “Yellow Shock” und “White Smoke” 2018 entstanden. Und wieder ist eine Installation zu sehen, die sich mit Ilse Taucherts Fundus beschäftigt: “object – no object”. Die hier gestellten Fragen lauten: Wie vergänglich sind die Dinge wirklich? Oder haben Dinge eine Seele, können sich sogar an etwas erinnern? Wir wissen es nicht. Wir können es nur erahnen. http://www.galerie102-berlin.com
Ulf Dieter hat von 1989 – 1992 beim Lette-Verein in Berlin seine Ausbildung zum Fotografen absolviert. Anschließend erhielt er ein Stipendium für die Fotoagentur Magnum in New York bei Inge Morat zu arbeiten.

Ulf Dieters fotografisches Werk zeichnet sich aus durch die Liebe zum Detail und den unverfälschten Blick auf Menschen, Landschaften und Industriearchitektur. Er gehört zu den Fotografen, welche die Berliner Wendezeit fotografisch festhielten. Es entstanden unzählige Arbeiten z.B. über die Love Parade und das Scheunenviertel, in dem Ulf Dieter damals wohnte. Er ist ein Meister der Technik und experimentiert gerne mit verschiedenen Kameraformaten, keiner kennt die Bandbreite des Mediums Fotografie so gut wie er.

Ulf Dieter completed his studies as a photographer from 1989 – 1992 at the Lette-Verein in Berlin. Subsequently, he received a scholarship to work for the photo agency Magnum in New York for Inge Morat.
Ulf Dieter’s photographic work is characterized by the love of detail and the unadulterated view of people, landscapes and industrial architecture. He is one of the photographers who photographically captured the Berlin turning point. There were countless works, e.g. about the Love Parade and the Scheunenviertel, where Ulf Dieter lived at the time. He is a master of technology and likes to experiment with different camera formats, nobody knows the bandwidth of the medium of photography as well as he does.

Künstlercoaching

Selbstvermarktungsstrategien für Künstler*innen und Kreative 2019

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Das Coachingnetzwerk Coachingzentrale Berlin in Kooperation mit der //GALERIE 102 bietet ein Coachingprogramm für Berliner KünstlerInnen aus allen Bezirken an. Ziel ist es die Einkommenssituation langfristig zu verbessern.

Einzel- und Gruppencoachings in Kleingruppen (5-10 Teilnehmer*innen) werden jeweils an zwei Tagen pro Woche über einen Zeitraum von 2 Monaten gezielt unterstützt und gefördert. U. a. werden lernen sie Bedürfnisse, Werte und Stärken kennen, sowie ihre Ziele schrittweise umzusetzen. Sie erhalten individuelle Unterstützung bei der Strategieplanung, beim Erstellen von aussagekräftigen Pressetexten, Fördermöglichkeiten, Networking, Feed Back zur eigenen Arbeit,  sowie ein individuelles Kommunikationstraining. Die Teilnahme endet mit einer Gruppenausstellung/Präsentation in der Galerie. 

Das sind die neuen Termine für 2019:

20.02. bis 11.04.2019
23.01. bis 14.02.19 Start mit Einzelcoaching an 2 Tagen pro Woche,
20.02. bis 11.04.19 Gruppencoaching

02.05. bis 28.06.19
Gruppencoaching und Einzelcoaching an 3 Tagen
(Nachrücken 2 Wochen möglich)

07.08. bis 26.09.19
Gruppencoaching und Einzelcoaching an 3 Tagen
(Nachrücken 1 Woche möglich)
Ausweichtermin: 30.09.-06.10.19

09.10. bis 28.11.19
Gruppencoaching und Einzelcoaching an 3 Tagen
Ausweichtermin: 29.10.-20.12.19

Gruppencoaching
2 Tage pro Woche je 7 Ues, Mittwoch und Donnerstag von 9:15-15:15

Einzelcoaching
individuell nach Absprache

Abschlussausstellung
29.11. – 05.12. 2019
Eröffnung: 29.11.2019, Finissage: 05.12.2019

Selbstvermarktung für Künstler_Flyer

Feed Back. LSK Projekt 2017

„Vor allem das Brainstorming in der Gruppe zu einzelnen Themen hat mir gut gefallen…“

„Es war ein hilfreicher Kurs. Endlich mal neue Künstler zu treffen und auf die eigene Arbeit zu fokussieren. Vieles hat neue Impulse gegeben. Der Kurs hat mir mehr Aussichten und Mut gegeben.“

„Deadlines setzen, langfristige Ziele in kurze Ziele zu unterteilen.“

„Es waren zwei Monate, die im Flug vergangen sind. Vieles zum Nachdenken, z.B. über seine Beziehung zum Wert seiner eigenen Bilder.“

„Mit Spannung erwartet, war ich überrascht, wie arbeitsintensiv diese Tage für mich waren…Ideen entwickelten sich, wurden wieder verworfen….Ich kann von mir behaupten, daß ich in Bewegung gekommen bin, angeregt, aufgeregt, oft zweifelnd, aber auch durch die Zusprache von Annemarie aktiviert. .“

„Gut fand ich , daß in der Gruppe immer wieder Themen aufgetaucht sind, die ich von mir kannte. Mir hat es geholfen, sie gemeinsam zu besprechen…gleichzeitig habe ich in dem gesamten Programm meine eigenen Fähigkeiten und Erfahrungen reflektiert…Das Coaching war sehr anwendungsbezogen, was mir sehr gut gefallen hat. Einige Erfolge haben sich bereits eingestellt.“

„Das Coaching hat mir gut gefallen. Ich habe meine Ideen visualisiert und sie haben sich dadurch in meinem Bewußtsein gefestigt. Ich bekam  Training für die Gespräche mit Geldgebern und potentiellen Kunden. Sehr interessant war auch die Bewußtmachung einer Gesprächskultur in künstlerischen Netzwerken.“

„Das Coaching hat mir sehr gut gefallen. Es hat mir geholfen, besser zu fokussieren und herauszufinden, welchen Weg ich als Künstler beschreiten möchte. Das Coaching war gut gegliedert und hat mir auch in weiteren Aspekten geholfen, z.B. Zeitmanagement, Gesprächsleitfäden zur Kommunikation, Pressetext, USP usw. Ich finde mich fit genug und bin zuversichtlich, in Zukunft meinen Lebensunterhalt von meiner Kunst bestreiten zu können.“

Abschlusßausstellung 2017
Abschlussausstellung Künstlercoaching LSK Projekt Pankow Dezember 2017.

 

 

 

 

Franek Wardyński Tinted lines

Franek Wardyński
Tinted lines 
28–29 November 2018,
Wednesday from 6-8pm, Thursday from 1-8pm
Franek Wardynski - Tinted Lines - Galerie 102
Franek Wardyński Tinted lines
For his first solo exhibition in Germany, the London based Polish artist Franek Wardyński born 1989, presents Tinted Lines, as a development of research and techniques explored during the first ever live-in Art in residence program at // GALERIE 102, under the direction of Annemarie Laber. 
When cultural shifts happen, modern architecture is often a strong source of criticism and commentary, formulated through provoking concepts that tell a story of a place. Materials and structures are, in fact, often a medium for expressing profundities, as Berlin’s cityscape reminds us. As a great mode of drama, buildings reveal a story of comedy and tragedy, openness and fear.
As formulated by architect Arthur Korn in his1926s book Glass: ‘The transparent glass tower symbolized the clear and uncomplicated future; it was an icon for the beneficent triumph of modern technology,’ he describes how glass became the emblem of democracy in Germany. However, what exactly do we mean by transparency today? In a time where we are increasingly living and working in glass cities, the outlook on glass in architecture has become rather different. How will the events of privacy affect the citizens positioning on the material—and will another cultural shift make the reversed criticism and commentary?
The work of Wardyński sits between art and design, repeatedly exploring projects of cultural criticism, making a constant contribution to the movement of print, moving image and sculpture. His approach to research and methodology is investigative, resulting in critical outputs of text, reproductions, prints, collages, video and large-scale objects. The prints featured in Tinted Lines explore meanings of glass and exposure, a result of looking at glass in Berlin architecture through the lens of 19th-century photography technique, blue cyanotype.
By sourcing glass from the neighbouring car glass exchange firm, Carglass, Wardyński has configured reclaimed glass-scapes using broken car windows, light and photosensitive material.
In a pursuit of asking questions around transparency, Wardyński shows an interpretation of vulnerability through waste-glass compositions. Just like the architects were prototyping glass facades when the material was first introduced, Wardyński is reflecting on where personal exposure begins and ends? A reminder to revisit the 1921 novel We, Yevgeny Zamyatin’s critique of an imaginary future totalitarian society, echoed in buildings where ‘the individual will is suppressed in favour of a collective technological dream.’
Tinted Lines highlights the exposing nature of glass, using the sun and photographic emulsion as a brush-stroke, revealing permanent marks created through transparency.
Text: Lia Forslund

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